La educación artística.

Es necesario revisar la manera en la que se imparte, sus contenidos, sus conexiones con el mundo tecnológicamente activo y eminentemente visual que nos rodea y otorgarle la creciente importancia que está adquiriendo. Un mundo visual requiere de un entrenamiento para poder leer sus imágenes. Las múltiples imágenes que vemos a diario y que ejercen un tremendo poder sobre nuestras mentes y en consecuencia sobre nuestros comportamientos. El arte es comunicativo, pero para que exista comunicación es necesario conocer los códigos, y estos códigos, este lenguaje, tiene que ser enseñado en la escuela.
La educación artística es la asignatura desde la que se puede ayudar a los alumnos a valorar y desarrollar lo que les hace distintos, únicos tanto a ellos mismos como a sus obras, contribuye a la construcción de la propia identidad. Esta asignatura no busca una sola respuesta, ya que en la diversidad de respuestas está el fin; valorar la visión personal. Y esa visión personal surgirá de la búsqueda, del análisis, de las conexiones que establecemos en nuestro interior, de los pequeños descubrimientos, de la toma de decisiones, de nuestra capacidad de riesgo, de la variedad y de la flexibilidad. Para todo esto tenemos que entrenarnos. Lo que nos conducirá hacia un pensamiento crítico, activo.

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miércoles, 4 de octubre de 2017

Keith Haring.


(Kutztown, Pensilvania, 1958 - Nueva York, 1990) Artista estadounidense, el más importante de los pintores de graffiti de los años ochenta. Desde muy pequeño Keith Haring empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburg, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas.
Prosiguió sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, durante 1978 y 1979, bajo la dirección de Keith Sonnier y Joseph Kosuth. En el verano de 1979 presentó una performance titulada Poetry-Word-Things en el Club 57 de Manhattan; al año siguiente, sin embargo, se volcó en los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.
A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral.
El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y los all-over de Alechinsky, Warhol y Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en una composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía irresistible y llamativa.
El estilo de Haring refleja el ethos de la generación Pop y de la cultura callejera del East Villagede Manhattan. Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Andy Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.
Keith Haring hizo su primera exposición individual en la galería Tony Shafrazi de Nueva York en 1982 y, a mediados de los años ochenta, sus grandes esculturas de acero pintado se expusieron en la galería Leo Castelli; en estos años hizo pinturas más abstractas, con las siluetas típicas de los puzzles. En 1986 abrió una boutique, la Pop Shop, en la que vendía sus productos; su populismo iba también dirigido a los niños y adolescentes, cuyos monopatines adornaba.
Haring era el nexo de unión, gracias a su formación, entre los artistas del graffiti autodidactas y la corriente principal de artistas jóvenes responsable de una forma abrasiva de expresión popular. Su actividad frenética de graffitista le llevó a hacer pinturas en prácticamente todas las estaciones de metro de Nueva York, con el correspondiente riesgo de ser detenido por atacar a la propiedad pública; le gustaba este elemento de peligro y le parecía que era un ingrediente esencial del contenido del arte de los graffiti. En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En 1989 creó la Fundación Keith Haring para ayudar a remediar problemas sociales. Murió víctima del sida el 16 de febrero de 1990 en Nueva York.

lunes, 2 de octubre de 2017

En Fundación OSDE, un conjunto de obras del artista...

...colombiano evoca las transformaciones de la iconografía cristiana y los modos en que se actualizan temas religiosos frente a las crisis sociales, la violencia y los distintos usos de la imagen.
Gusanos de seda vivos sobre un luchador enmascarado. Un atleta chino sosteniendo anillas como si estuviera crucificado. Un hombre que alimenta palomas en medio de una batahola militar. Una lucha bizantina en contra y a favor de las imágenes, recreada en una falsa sala de espera.
Éstas son algunas de las imágenes de Religión catódica, un conjunto de catorce trabajos creados por el colombiano José Alejandro Restrepo. Fueron elegidos por el curador Jorge La Ferla para la muestra que se exhibe hasta el 14 de octubre en el Espacio de Arte de Fundación OSDE.


El juego de palabras del título de la muestra prenuncia su interés por temas vinculados con la religión católica. Las obras exhibidas evocan las transformaciones de la iconografía cristiana, así como las formas en que se actualizan viejos temas religiosos con las crisis sociales, la violencia y el uso y abuso de la imagen.

Capacitación en servicio, Fundación OSDE.







lunes, 21 de agosto de 2017


Book titled 'Acto del PatronoPaul GroussacEsc 5  DE6'

sábado, 12 de agosto de 2017

Art Brut, de Dubuffet.


Dubuffet afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Museo de las Artes Decorativas de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido (aunque se trate de una expresión muy revaluada en la actualidad) asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.